THÉÂTRE AMÉRICAIN | Co-pros et solos, bien sûr, mais aussi ambition et expertise artistique


Rangée du haut : Aya Ogawa dans « The Nosebleed » (photograph de Maria Baranova), Adil Mansoor dans « Amm(i)gone » (photograph de Kitoko Chargois) ; rangée du milieu : « Lucha Teotl » au Goodman Theatre (photograph de Liz Lauren), Kelvin Roston Jr. dans « Twisted Melodies » (photograph de Richard Anderson) ; rangée du bas : Tami Dixon dans « South Aspect Tales », une picture tirée de « Of a Thoughts : Oklahoma Metropolis »

La pressure la plus implacable de l’été dernier…après les grèves, le changement climatique et les mèmes de Barbie, c’était l’industrie artisanale des sombres visions de l’effondrement imminent du théâtre américain. La couverture a été motivée par un vider la nouvelle imprecise de fermetures, de licenciements, de campagnes de financement d’urgence et de réductions saisonnières. Mais le cadrage répétitif des reportages en direct était épuisant, comme la lecture d’une dépêche du concours de limbes le plus déprimant du monde : Jusqu’où peut-on descendre ?

C’est une vérité universellement reconnue que les théâtres à travers le pays sont aux prises avec des crises croisées : baisse extrême du nombre d’abonnés, manque de donateurs, audiences en baisse, personnel épuisé, appels attendus depuis longtemps en faveur de salaires décents et de l’équité salariale, et inflation. (Un de mes amis disait récemment, à propos de l’état des funds du théâtre : « La query n’est pas : « Votre théâtre a-t-il un déficit ? », mais plutôt : « Quelle est l’ampleur du déficit ? »). En conséquence, la saison la planification est passée d’un exercice de création de puzzles éclectique à une quête herculéenne. Remark un théâtre parvient-il à équilibrer son ambition, ses valeurs et son funds dans le Far West de la dernière année du coronavirus ?

Dans son récent essai « Décomposition au lieu d’effondrement » Annalisa Dias a proposé de recadrer cette période tumultueuse comme une voie vers de nouveaux paradigmes. « Il n’y aura pas de remède magique distinctive pour l’ensemble du domaine », écrit-elle, « nous devons construire une économie solidaire des idées. » Abandonner le statu quo est un processus délicat, terrifiant et nécessaire. La transformation ne se produit pas du jour au lendemain et elle ne sera pas la même pour toutes les organisations. Les programmes de saison de cette année dans les cinémas membres du TCG présentent des tarifs d’évasion et la cascade requise de fêtes de fin d’année. Chants de Noël-mais il y a aussi une abondance de dextérité artistique, une prise de risque calculée et des lueurs de possibilité.

La manufacturing créative des théâtres à however non lucratif de Broadway et de New York a toujours eu une affect démesurée sur la programmation régionale. L’ironie est que bon nombre de ces pièces proviennent de théâtres régionaux, sous forme de commandes, d’ateliers ou de lectures. Cette année Liste des 10 pièces les plus produites présente plusieurs exemples : le projet Pulitzer de James Ijames Jambon gras créé numériquement en 2020 au Wilma Theatre à Philadelphie (et j’y retourne le mois prochain), alors que Larissa FastHorsec’est La pièce de Thanksgiving a été commandé et créé à Artists Repertory Theatre à Portland, Oregon, en 2018quelques mois avant ses débuts à Off-Broadway Horizons des dramaturges.

La programmation de l’année se distingue également par son orientation commerciale : sur les neuf pièces de la liste, sept ont été récemment diffusées à Broadway. La visibilité d’une manufacturing new-yorkaise peut catapulter une pièce sur plusieurs saisons régionales, quelle que soit sa rentabilité initiale ou la devise du pays. New York Instances critiques et reconnaissance de Tony. (Lynn Nottage’s Clydequi fait sa deuxième apparition consécutive sur la liste, suggest également diffusions en direct pendant sa diffusion à Broadwayaugmentant l’accessibilité au public non new-yorkais – même si une comédie d’un dramaturge deux fois lauréat du prix Pulitzer susciterait un intérêt régional substantiel, quelle que soit sa portée numérique.)

Au-delà du mélange fiable d’exportations new-yorkaises et de lauréats, Théâtre américain l’analyse du rédacteur en chef Rob Weinert-Kendt sur Liste des 20 dramaturges les plus produits a noté une prépondérance des variations littéraires. Les polars et les mystères sont des éléments familiers de la saison, et un nouveau thriller rejoint les rangs du High 10 aux côtés de Sherlock Holmes, Agatha Christie et la résurgence surprenante de l’année dernière de Indice: L’adaptation de Jeffrey Hatcher de Composez M pour meurtre. La model du drame à suspense de Frederick Knott de 1952 offre une combinaison irrésistible : un titre reconnaissable, un style populaire et un ensemble de cinq acteurs.

Les pièces de théâtre à petite diffusion sont des éléments obligatoires dans le calcul de la planification de la saison, et la popularité des pièces de Duncan Macmillan et Jonny Donahoe Chaque selected brillante souligne la tendance générale à programmer des performances en solo. (Plusieurs entreprises—le Huntington, Mammouth laineux, Théâtre J, Competition Shakespeare de l’Oregon, et Playwrights Horizons – présentent plusieurs offres solo.) Il est facile de rejeter la pléthore de spectacles individuels comme une réponse budgétaire, mais cela discrédite l’étendue et la profondeur du expertise artistique. Les théâtres sont des plateformes d’artistes qui réinventent des textes classiques (Adil Mansoor’s Je suis particelui de Invoice Irwin Sur Beckett, Celle de Lisa Wolpe Shakespeare et l’alchimie du style), récits personnels d’identité et d’appartenance (Solar Mee Chomet’s Remark être une femme coréennecelui d’Alaudin Ullah Rêves de lave-vaisselle, Chez Madeleine Sayet Où nous appartenons) et la narration hybride (l’exploration dansée de Jenn Freeman de son diagnostic d’autisme Est-ce déjà jeudi?; Le mélange déséquilibré de clown et de cabaret d’Alexandra Tartarsky Garçons tristes au pays des harpies; John Jarboe Rose : Vous êtes celui que vous mangez, une « histoire vraie de cannibalisme de style mise en musique »). Les performances solo centrées sur les artistes de couleur, les expériences vécues sous-estimées et les expériences de style peuvent servir la mission artistique d’une organisation tout en tenant compte des contraintes financières.

En plus des distributions plus petites, de nombreuses sociétés ont réduit le nombre de productions au cours de leurs saisons. L’automne dernier, l’Oregon Shakespeare Competition a annoncé des coupes massives dans sa saison 2023, avec cinq pièces programmées dans son répertoire régulier, contre 11 productions en 2019. (Après avoir lancé une campagne de financement d’urgence ce printemps, la compagnie produira neuf pièces dans sa programmation 2024, dont quatre spectacles individuels.) D’autres grandes organisations ont opté pour pour des réductions similaires : en 2019-20, Enviornment Stage et Portland Middle Stage ont tous deux annoncé des programmations de 10 play ; pour 2023-24, les deux théâtres produisent respectivement 6 et 8 productions. Les réductions récentes ont été plus drastiques, comme Suspension de toute la programmation du Middle Theatre Group dans son Mark Taper Discussion board, le Public Theatre’s élimination du pageant Beneath the RadarLookingglass droop ses représentations jusqu’au printemps prochain et un live performance de dernière minute annulation de la saison complète au Artists Repertory Theatre. Les conséquences sont douloureuses, en particulier pour une main-d’œuvre affaiblie par de multiples vagues de congés et de licenciements. Mais ces pertes devraient être représentatives comme des opportunités de remettre en query la portée institutionnelle, de réaffecter les ressources et de construire des constructions plus saines pour les artistes et les travailleurs.

Malgré les innombrables contractions, de nombreux théâtres misent sur des projets extravagants. Il y a un afflux notable de comédies musicales dans les listes de cette année, automotive les entreprises risquent des dépenses de manufacturing plus élevées en échange d’un public plus massive et d’un potentiel de box-office accru. Mais les théâtres n’assument pas seuls les coûts, automotive de nombreuses nouvelles comédies musicales sont rattachées à des producteurs commerciaux. L’attrait de l’argent d’amélioration et du futur partage des bénéfices est compréhensible après des années de maigres revenus ; il est difficile de résister à la possibilité d’un flux de revenus passif si le projet devient un uncommon succès fulgurant. (Chaque théâtre aimerait son propre Hamilton ou Une ligne de chœur.)

Les stratégies de partage des coûts s’étendent au-delà des comédies musicales à gros funds. Les listes 2023-24 incluent une richesse de coproductions, avec des œuvres produites conjointement représentant plus de la moitié des programmations de certains théâtres. Les coproductions entre théâtres régionaux constituent un élément essentiel de la saison depuis des décennies. Mais au cours des deux dernières années, on a assisté à une augmentation des coproductions locales, les théâtres d’une même ville ou région s’associant pour produire, au lieu des partenariats à distance habituels. Il existe d’innombrables raisons artistiques et financières pour les coproductions (par exemple, les affiliations de collaborateurs, l’historique de développement du projet, le coût des distributions de grands ensembles ou des conceptions élaborées), mais comme les compagnies ont du mal à gérer leur capacité d’accueil, à mettre en commun leurs ressources – et leurs publics – avec un le théâtre est un geste tactique.

Le phénomène de co-pro native s’étend à l’échelle nationale, avec des sociétés produisant conjointement à Pittsburgh, Boston, San Diego, Chicago, DC et Off-Broadway. Les théâtres nouent également des relations avec d’autres establishments artistiques : l’Alliance Theatre et l’Atlanta Opera se sont associés pour une adaptation du movie de Stephen King Le brillantl’extravagance de lutte immersive de Goodman Lucha Teotl est produit en affiliation avec le Musée nationwide d’artwork mexicain, et le Theatre Mu de Minneapolis s’associe au Walker Artwork Middle et au pageant d’hiver collaboratif The Nice Northern pour sa série de Aya Ogawac’est Le saignement de nez.

Les collaborations locales se reflètent également dans la programmation, alors que plusieurs théâtres adoptent des histoires et des partenariats communautaires. Première de la Baltimore Middle Stage Competition des produits locaux célèbre les interprètes, les créateurs et les collectifs d’un massive éventail de disciplines artistiques, allant de la marionnette à la création orale. Le Lengthy Wharf Theatre, qui a adopté un modèle itinérant après avoir quitté son espace théâtral l’année dernière, présentera une manufacturing itinérante de la pièce de Joan Didion. L’année de la pensée magique dans les maisons et autres espaces intimes de la région de New Haven. Trois ans après Théâtre Pénombre a annoncé son évolution en centre de guérison raciale, la société de Minneapolis augmentera ses explorations artistiques de la vie des Noirs avec des ateliers sur l’équité publique, des résidences créatives et des providers de bien-être culturellement adaptés pour la communauté. Le mois dernier, le Milwaukee Repertory Theatre a été créé Cours, Bambi, coursune nouvelle comédie musicale rock sur l’une des sagas de vrais crimes les plus tristement célèbres de la ville, tandis que Kelvin Roston Jr. Mélodies tordues au Repertory Theatre de St. Louis discover l’héritage de l’icône de la soul Donny Hathaway. (Hathaway, comme l’écrivain et interprète Roston, est originaire de Saint-Louis.)

D’autres théâtres plongent profondément dans les traditions du quartier hyperlocal. Celui de Tami Dixon Les histoires du côté sud revisitées est une suite à son one-woman present de 2012 explorer la vie éclectique des résidents de longue date près de la Metropolis Theatre Firm de Pittsburgh. Trois nouvelles œuvres de dramaturges de DC ancrent la Mosaic Theatre Firm Competition du projet d’histoire orale de la rue H, une entreprise ambitieuse avec la bibliothèque publique de DC visant à préserver le passé du quartier historiquement noir grâce à des œuvres artistiques basées sur des entretiens. Kelly Kerwin, Emily Zemba et Pay attention&Breathe’s D’un esprit : Oklahoma Metropolis est une visite à pied théâtrale audio-guidée à travers le centre-ville titulaire mettant en vedette des voix, des sons et de la musique locaux.

L’investissement dans les écologies artistiques locales parie sur une nouvelle model du théâtre américain – une model plus engagée envers les besoins idiosyncrasiques des communautés qu’il prétend servir. Les récits dominants de désespoir à l’échelle de l’industrie obscurcissent l’creativeness et les possibilités qui s’épanouissent dans un contexte d’incertitude considérable. Il n’existe pas de answer universelle aux problèmes économiques du secteur. La saison 2023-24 témoigne de l’agilité créative, alors que les théâtres accumulent lentement et testent leurs propres remèdes dans un paysage en constante évolution.

Lauren Halvorsen (elle/elle) est une dramaturge et écrivaine basée à Washington, DC. Elle est l’auteur du bulletin hebdomadaire sur le théâtre. Rien pour le groupe.

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