Royaume-Uni Copland, Worth et Sibelius : Rachel Barton Pine (violon), Royal Scottish Nationwide Orchestra / Kristiina Poska (chef d’orchestre). Usher Corridor, Édimbourg, 27.10.2023. (TM)
Terres de flic – Printemps des Appalaches Suite
Prix Florence – Concerto pour violon n°2
Sibélius – Symphonie n°1 en mi mineur, op. 9
Bien que l’œuvre la plus récente au programme du Royal Scottish Nationwide Orchestra de ce week-end date de 1952, le public begin tout juste à la connaître. La réévaluation en cours de la compositrice afro-américaine du XXe siècle Florence Worth ne serait pas attainable sans la contribution des interprètes qui ont défendu sa musique. Lors de sa prestation au RSNO, Rachel Barton Pine, l’une des plus passionnées de ces défenseurs, a fait du deuxième concerto pour violon de Worth non seulement un sujet de découverte mais une révélation. La chef d’orchestre estonienne Kristiina Poska l’a rejoint dans cette entreprise pour ses débuts avec l’orchestre.
En fait, ce n’était pas la première fois que le célèbre violoniste interprétait cette œuvre avec le RSNO. Elle l’a enregistré avec ces musiciens (sous la route de Jonathon Hayward) pour l’inclure dans l’édition mise à jour du 25e anniversaire de son album phare. Concertos pour violon de compositeurs noirs à travers les siècles, paru l’année dernière. Mais la première interprétation reside du concerto par Pine à Usher Corridor débordait de tant de poésie et de conviction que le public a dû se demander pourquoi cette musique ne s’est pas déjà imposée comme un incontournable du répertoire orchestral américain.
Les raisons incluent le racisme et le sexisme qui étaient le lot de Worth, ainsi que les changements historiques dans les priorités esthétiques. Pine et ses collègues tentent par ailleurs de rattraper plus d’un demi-siècle perdu dans l’oubli, au cours duquel le concerto et plusieurs autres œuvres majeures de Worth auraient été perdus. Ce n’est que grâce à sa découverte fortuite en 2009 parmi un trésor de ses partitions manuscrites dans une maison délabrée que le Deuxième Concerto pour violon a pu être présenté au public contemporain. Pine décrit le phénomène de la disponibilité soudaine de cette musique pour être interprétée comme « un rêve devenu réalité ».
En effet, la violoniste a apporté une touche très personnelle à son interprétation du concerto, une œuvre tardive (écrite un an avant la mort de Worth à l’âge de 66 ans) qui se déroule en un seul mouvement. De caractère souvent rhapsodique, la musique serpente entre ses deux idées principales comme si elle les abordait sous différents angles. Pine a cajolé une délicieuse variété de caractères sonores à partir de son Guarneri del Gesu de 1742, « ex-Bazzini ex-Soldat » — en particulier, une éloquence tremendous dans le grave qui a intensifié l’accent mis sur les moments d’intimité introspective.
La présence de tropes romantiques est plus énigmatique dans cette pièce que dans les œuvres antérieures de Worth. Tissant des harmonies à tons entiers, elle se détourne de l’idée du concerto comme lutte dialectique du protagoniste solo au revenue d’une sorte de peinture de champ sonore absorbée dans la contemplation mélodique, parfois bardique. La tendresse ballet de Pine, particulièrement gracieuse dans les guirlandes de triolets fluides de la partie solo, soulignait son lyrisme à la fois à grande échelle et native.
En tant que fière Chicagoienne – ville d’adoption ultérieure de Worth, originaire de l’Arkansas – Pine dit ressentir une sympathie particulière pour le compositeur, évidente dans son phrasé priant d’un chorus aux saveurs gospel qui oriente le voyage du concerto. Poska était attentif aux touches d’orchestration prismatiques et souvent originales de Worth, facilitant le dialogue entre soliste et orchestre d’une most important sûre.
Le choix de rappel de Pine, la transcription de Nathan Milstein du Valse de Méphisto Le numéro 1 de Franz Liszt, a condensé la virtuosité de la vieille école d’un concerto dans un cadre miniature. Sélectionnée en hommage à la saison d’Halloween, la pièce ressemblait à un thriller avec ses notes aiguës acrobatiques et ses pièces pyrotechniques casse-cou – le tout expédié avec une apparente simplicité qui a laissé le public reprendre son souffle collectif. Encore plus tard dans la nuit, on pouvait voir Pine s’adonner à son amour du violon écossais alors qu’elle se rendait au Sandy Bell’s, un pub centenaire fréquenté par les followers de la scène musicale people, pour une session impromptue avec des musiciens locaux.
Le récit merveilleusement convaincant de Pine sur le concerto de Worth ne fut pas la seule révélation du live performance. L’intelligence musicale et le sens du however que Kristiina Poska a apporté aux œuvres les plus connues du programme ont clairement montré qu’il s’agissait d’un chef d’orchestre auquel il fallait prêter consideration. Récemment nommée nouvelle directrice musicale de l’Orchestre Français des Jeunes, Poska se présentera au public américano-américain en 2024 en se produisant avec l’Orchestre du Minnesota et l’Oregon Symphony.
Association de la suite de live performance d’Aaron Copland de sa partition de ballet Printemps des Appalaches – composé moins d’une décennie avant le concerto de Worth – peut apparaître comme un aliment réconfortant musical d’une qualité prévisible. Mais Poska a guidé les musiciens à travers chaque scène avec l’assurance d’un réalisateur chevronné. Le « plan d’établissement » au ralenti des harmonies de cordes suspendues qui encadrent la pièce brillait de chaleur. Les rythmes nets de Copland ont fait avancer le récit avec un optimisme non forcé, tandis que les variations de la mélodie du Shaker à l’apogée se sont déroulées comme un spectacle de la vie people américaine.
Le récit profondément complexe de Poska sur l’œuvre de Sibelius fin-de sièclé ses débuts en tant que symphoniste ont transformé la seconde moitié du live performance en une épopée aventureuse. Montrant une affinité évidente avec la compositrice finlandaise — elle a enregistré l’œuvre avec le Symphonieorkest Vlaanderen — le chef d’orchestre a savouré l’air de découverte de soi de la Première Symphonie. Elle a joué sur les contrastes timbraux, encouragée par les contributions de caractère des bois du RSNO notamment. Nous avons été invités à admirer le défi lancé par Sibelius aux conventions symphoniques — le lengthy monologue de la clarinette pour ouvrir l’œuvre, le brusque silence des mouvements extérieurs, presque terrifiant dans son sombre fatalisme — tout en appréciant sa dialog avec d’autres maîtres du style. style.
Le Andante s’est avéré, comme d’habitude, la partie la plus insaisissable de la symphonie, encadrée par un lyrisme désespéré et véritablement hantant, tandis que le Scherzo a explosé avec une énergie de défi et de montagnes russes et s’est en même temps révélé être une étude éblouissante en matière d’orchestration. Poska, dont le rapport avec le RSNO était palpable, a tracé une ligne directrice dans la finale qui faisait écho aux questions posées plus tôt dans la pièce et les a posées à nouveau, refusant de se contenter de réponses faciles.
Thomas Mai
Thomas Might est écrivain, critique, éducateur et traducteur dont les travaux paraissent dans Le New York Instances, Gramophone, et bien d’autres publications. Rédacteur en langue anglaise du Competition de Lucerne, il rédige également des notes de programme pour le Competition d’Ojai en Californie.
