La dernière fois que j’ai vu Alison Clancy, elle dansait sur une scène rocheuse et couverte de brouillard du Metropolitan Opera devant des faisceaux lumineux holographiques dans une gown rouge longue au sol. C’était la répétition finale et l’avant-première de presse de Richard Wagner, ‘Der Fliegende Holländer’ (Le Hollandais volant) où Clancy faisait ses débuts en tant que soliste principale de danse au Met.
S’il semble que la barre était placée très haute, c’est bien le cas.
Lisez l’interview/aperçu ici : Naviguer sur le chemin de l’artiste avec Alison Clancy
Lorsque le communiqué de presse du nouveau projet de Clancy présenté through la SMUSH Gallery où elle est chargée de conservation, est apparu dans ma boîte de réception, j’ai eu deux réactions opposées :
Alison Clancy – oh tremendous. Je l’admire en tant qu’artiste. Efficiency virtuelle – tuez-moi maintenant. Mais j’essaie de garder l’esprit ouvert.
Le spectacle présentait trois chansons écrites et interprétées par Clancy et des musiciens contributeurs. Le premier, « Mutant Presents », la montrait vêtue d’une élégante gown noire, jouant de sa guitare électrique, filmée en noir et blanc, alors qu’elle était assise devant un autel presque vide. St. John’s dans le village église. Les seuls objets étaient deux grands chandeliers éteints encadrant Clancy. J’attendais avec impatience qu’ils déclenchent.
Travail de caméra par Esteban Haga se précipitait entre des plans rapprochés magnifiquement détaillés de Clancy, jouant occasionnellement de la guitare avec le microphone qu’elle utilisait pour le chant, et du violoncelliste Brent Arnold. Nous ne voyons jamais le visage complet d’Arnold, seulement les events liées aux devices : ses mains, son épaule, sa mâchoire et son cou. Ma phrase préférée de la chanson est partagée par le titre : « Je suis juste là, en prepare de devenir une étrange sorte d’amour ». Il existe un lien entre l’motion de création et l’motion de devenir.
Les gros plans sont contrastés par des plans plus larges au flou artistique où les personnages sont un peu flous tandis que les fenêtres de l’église sont claires, la mise au level se porte vers la lumière qui entre. L’atmosphère est presque claustrophobe, sombre à l’intérieur et lumineuse à l’extérieur, semblable à un papillon cocon ou à un animal en hibernation. La chanson elle-même, avec la rigidity des cordes de la guitare et du violoncelle et la gamme de notes plutôt restreinte, ressemble à un télescope sonore sur une expérience distinctive, étrange mais lively.
Il y a de la juxtaposition dans cette pièce, de la présentation d’une église traditionnelle baignée de lumière à une femme cool jouant de la guitare électrique en noir. Je n’arrêtais pas de me demander quelle était cette histoire, remark était-elle entrée là-dedans, si elle avait été emprisonnée. Le contraste des photos fonctionne bien, mais semble inconfortable, automotive l’évolution se fait généralement entre les espèces du règne naturel. C’est à la fois raffiné et spirituel tout en étant aussi physique et réaliste. C’est une pièce tirée entre les opposés de l’obscurité et de la lumière, et il semble qu’elle puisse à tout second aller dans les deux sens.
Si quelqu’un a déjà eu des bernard-l’ermite comme animal de compagnie, savez-vous ce second où un crabe est devenu trop grand pour sa coquille et doit l’abandonner pour une maison plus spacieuse ? C’est à cela que ressemblait, je pense, l’expérience de cette pièce : un crabe nu cherchant une coquille plus grosse, ce qui est vraiment la comparaison la plus grossière pour une pièce aussi frappante et belle, mais que pouvez-vous faire.
La deuxième chanson, « Blue », mettait en vedette le danseur Albert Esquilin Jr. alias Ghost improvisant dans le fashion de danse Bruk Up dans le Studios de verre idéaux. Ghost se trouvait dans le coin d’une pièce carrée avec des projections animées de Check collectif autour et sur lui et ses ombres sur les murs derrière lui. Les projections étaient en mouvement fixed, parfois comme des ondulations d’eau bleue, parfois comme des gouttes de pluie, des éclaboussures ou une imprecise. Ils ont donné l’imagerie de différentes apparitions de l’eau tout en restant abstraites, et jamais les mêmes assez longtemps pour paraître figées comme une picture. Il en va de même pour le mouvement du Ghost, glissant en douceur grâce à un jeu de jambes complexe et un transfert de poids fluide, jusqu’à des mouvements pulsés reflétant l’instrumentation de la guitare et de la basse des musiciens Clancy et Allison Jones. La chanson était mélodique, avec des voix légères et aiguës de Clancy et Jones mais toujours avec le courant fixed de la basse en dessous. Je n’ai pas capté beaucoup de paroles parce que je prêtais plus consideration aux visuels et aux mouvements des projections et du danseur. Il y a eu un second où ses mouvements semblaient parfaitement correspondre aux paroles de la chanson, mais sachant que la danse était improvisée, je ne sais pas si c’était une heureuse coïncidence ou s’il s’agissait d’une synchronisation ultérieure par l’équipe de montage. Dirigé par Max Louis Miller et maîtrisé par Adam Haggarl’œuvre rappelle le cycle de l’eau, la prévisibilité des marées et la mutabilité des nuages.
La pièce finale, « Morning Time », mettait à nouveau en vedette Ghost dansant au Preferrred Glass Studio. Cependant, dans cette pièce, le mur derrière lui avec un éclairage conçu par Clancy ressemblait à un mur de béton ou de briques grises avec une teinte rose tendre et orange sur sa façade. Nous pouvions voir clairement ses yeux et ses mains, une différence nette entre le costume sombre et la chair. Dans cet éclairage, la complexité des mouvements de ses mains ressortait ; ce serait difficile à apprendre ou à reproduire. Ce que j’ai le plus aimé dans cette œuvre, ce sont les visuels de la palette de couleurs partagée, l’obscurité de son ombre et de son costume, les tons chair assortis de son corps et l’éclat de lumière derrière lui. L’effet world est une mise au level dispersée, une vue panoramique où le sujet et l’environnement sont constitués du même matériau.
Lors d’une séance de questions-réponses après l’exposition, Clancy a décrit l’œuvre comme une « création d’homéostasie » entre l’expression extérieure de l’artwork et le monde intérieur. Les trois pièces étaient une development de métamorphose lively de ces mondes conceptuels, de la claustrophobie à la paix totale. Personnellement, j’ai le plus aimé « Blue ». Je me demande s’il existe un lien entre la pièce qui résonne le plus auprès des gens et la façon dont ils se sentent situés dans leur vie et leur environnement actuels.
Que ce soit sur la scène du Met ou depuis un écran virtuel, Clancy a la capacité de combiner des éléments artistiques – musique, éclairage, diverses formes de danse – qui se transforment en expériences cohérentes mais aussi magiques. Assistant de manufacturing, Jonathan Matthieu a déclaré au cours de la dialogue que travailler sur le projet était comme utiliser une planche Ouija, chacun prêtant ses abilities et ses idées. Ce n’était pas trop stimulant, mais plutôt si bien synthétisé qu’il était difficile de savoir exactement qui dirigeait le projet, chaque side de la collaboration s’y prêtant parfaitement et se fondant dans ses différentes events.
Pour en savoir plus Galerie SMUSH
