Ballet Rhode Island Mort et Jeune Fille

L’entreprise basée à Windfall, Rhode Island, travaille constamment repousser les limites de la danse de live performance vers un avenir plus dynamique, sur une fondation d’un passé chargé d’histoire. Ce programme ne faisait en aucun cas exception à cet objectif primordial de la mission.

Avec l’aide de Kurt Douglas, ancien membre et répétiteur de la Limón Dance Firm, la compagnie a reconstitué José Limonest emblématique La Pavane du Maure (1949). L’acte II offrait une première mondiale sur une composition pour quatuor à cordes de Franz Schubert. La mort et la jeune fille (1824), mêlant et façonnant une partition classique avec un vocabulaire de ballet contemporain fondant et succulent. Le passé et le présent se côtoyaient en harmonie, pour que tous les individuals puissent le savourer.

En effet, une partie de La Pavane du Maure la magie est la façon dont il peut vous transporter dans le passé, avec son atmosphère de cour européenne – avec, par exemple, des costumes d’époque élaborés (prêtés par le Miami Metropolis Ballet pour ce programme). Dans une vidéo d’introduction à l’œuvre, Douglas a expliqué remark Limón a structuré l’œuvre comme un récit livré dans le contexte d’une danse de cour. Il a noté remark le récit – une distillation du Othello – passe par des nuances de mouvement et d’expression.

Les arguments de Douglas m’ont permis d’expérimenter le travail avec plus de profondeur et de compréhension que quand j’ai vu la compagnie Limón le jouer. Il est vrai que cet ensemble ne semblait pas aussi pleinement, véritablement maison dans le langage gestuel de Limón comme ces danseurs qui l’ont dans leur corps quotidiennement depuis des années. Pourtant, on ne pouvait pas s’attendre à ce qu’ils le soient.

Dans l’ensemble, ils ont dansé cette langue de manière tout à fait louable, offrant quelque selected de riche et d’honnête. Leur théâtralité était également superbe, donnant véritablement vie à ces quatre personnages. Tout cela est un véritable témoignage à la fois d’ensemble et de répétiteur. L’expérience de ce travail du Ballet RI m’a intrigué de voir ce qui pourrait se produire si davantage de compagnies de ballet étaient aussi audacieuses pour s’attaquer à des classiques aussi gigantesques de la danse moderne.

Celui de Yury Yanowsky et Ken Ossola La mort et la jeune fille de la même manière, il s’est ouvert avec une vidéo d’introduction – démontrant le caractère central de la partition, ainsi que la collaboration interdisciplinaire, dans cette œuvre. Nous avons vu les musiciens à cordes de l’ensemble Aurea jouer la partition pendant les répétitions des danseurs. La directrice artistique de l’ensemble, Consuelo Sherba, a discuté de la haute physicalité de jouer cette composition – et du fait qu’il est donc tout à fait approprié qu’elle soit associée à la danse. La musique et le mouvement étaient engageants, se pollinisaient et échangeaient : dans les deux sens.

Le travail a commencé avec le lever du rideau sur une danseuse posée sur la scène, élevant lentement son torse à la verticale. Une fleur de tissu blanc gonflé l’entourait. Elle inclina lentement et pensivement la tête et courba son torse. Le rating avançait plus vite qu’elle, je m’en suis vite aperçu. Comme pour une grande partie de leur œuvre, Yanowsky et Ossola n’ont pas ressenti le besoin de faire correspondre chaque notice avec un mouvement. Le rating était plutôt allegro, dans l’ensemble, le mouvement offrait pourtant une séduisante variété de tempos. C’est très efficace ; sans contraste, la vitesse – ou toute qualité – vient à perdre son effet.

La première part d’ensemble est arrivée peu de temps après, et c’était presque comme si la partition l’avait réveillée – avec des lumières montantes (conception d’éclairage de Jon Gonda) et un mouvement gagnant en ferveur juste après que la partition ait fait de même. Les notes résonantes et chantantes des devices à cordes remuaient l’air même du théâtre – tout comme les formes et les chemins ancrés mais sinueux des danseurs. Sans aucun doute, ils se sont réunis pour représenter bien plus que la somme de leurs events.

Le vocabulaire des mouvements, pour sa half, était plein de formes gracieusement arquées et de libération haletante d’une colonne vertébrale ballet verticale. Une qualité plongeante à portée de fundamental ressemblait à la fois à une branche de saule dansant et à un oiseau en vol – les deux chevauchant une brise facile. Ce type s’accorde parfaitement avec les membres élancés et les épines souples de cet ensemble. Ces danseurs correspondaient également à l’intensité émotionnelle de la partition d’une manière qui semblait authentique plutôt que forcée.

Cette intensité venait d’une abstraction dramatique, de quelque selected d’énigmatique plutôt que de narratif. Ce mystère était encore renforcé par la façon dont les danseurs entraient et sortaient des projecteurs et de l’ombre – un duo avec la lumière elle-même. Le mystère s’est encore approfondi, mais est également devenu encore plus stimulant, à mesure que la danseuse en jupe longue revenait. Elle a traversé la scène, laissant derrière elle deux danseurs en place fœtale. Que transportons-nous ? Que pouvons-nous laisser derrière nous ? Qu’est-ce qui nous porte ?

Des sections plus athlétiques et plus vigoureuses ont suivi, contribuant ainsi à créer cette agréable variation de tempo et de qualité de mouvement. Un pas de deux tenace, par exemple, a encore démontré ce que ces danseurs peuvent offrir et remark ces chorégraphes savent capitaliser sur leurs forces.

Une part plus lente et plus réfléchie a ensuite apporté un sentiment de résolution – certainement un bon endroit pour terminer le travail. Pourtant, les choses ne sont pas toujours aussi prévisibles ; un grand groupe est revenu pour ramener l’énergie à son paroxysme, créant une explosion de formes en mouvement. Les travaux se sont terminés peu de temps après, assez brusquement. Un sentiment de continuité est né du manque de résolution à portée de fundamental.

De cette manière, le travail était fascinant, frais et innovant. Oui, il est tout à fait potential de créer quelque selected possédant ces qualités à partir des trésors artistiques du passé. Ballet RI est particulièrement doué dans ce domaine, pour faire avancer cette forme d’artwork tout en honorant son passé.

Leur reconstitution de La Pavane du Maure a également démontré cet équilibre, ainsi que le braveness de s’engager dans une toute nouvelle voie. Ce programme était le premier que je voyais de l’entreprise après son changement de marque, et j’attends avec impatience bien d’autres – au cours de la saison 2023-2024 et au-delà. Innovation, prise de risque, préservation historique et au-delà : je participe !

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.