CRITIQUE : Moe Miti (Pink Leap Theatre)



(Sommeil de rêve)

Moe Miti, présenté par le Pink Leap Theatre, évoque magnifiquement un espace liminal – ni tout à fait réel, ni tout à fait irréel – et discover en son sein la relation complexe que l’on entretient avec son passé et son identité. Il parvient à raconter une histoire nuancée et distinctive sur le traumatisme intergénérationnel avec très peu de narration. Elle est à la fois spécifique et universelle. La réalisatrice Katrina George a créé une œuvre profondément samoane, mais qui reste néanmoins tangible pour un Pākehā comme moi.

L’horreur est intelligemment utilisée tout au lengthy Moe Miti, rendant viscéraux et palpables les sentiments de traumatisme et de rage avant que l’esprit rationnel n’ait le temps de déchiffrer que c’est de cela qu’il s’agit. L’éclairage de Jane Hakaraia fonctionne harmonieusement avec l’incroyable conception spatiale et audiovisuelle d’Owen McCarthy pour créer l’espace onirique évoqué par le titre ; « Moe Miti » qui signifie « sommeil de rêve » (d’après ce que je peux comprendre). Peut-être un sommeil perturbé par les rêves, un lieu où les fantômes du passé se cachent dans l’ombre, où le temps lui-même n’a aucun sens.

De grandes feuilles ressemblant à du papier d’aluminium constituent la toile de fond et les ailes du Loft du Q Theatre. Les lumières rebondissent sur elles, créant un effet chatoyant surprenant, comme le soleil sur l’océan. Un tube s’insère dans un rectangular en plastique blanc posé sur le sol et le remplit lentement jusqu’à ce qu’il ressemble à un nuage. Bientôt, cela deviendra l’utérus et le cordon ombilical dont notre protagoniste sera arraché. Pepe (Malama Tila) émerge dans l’obscurité. Elle est toujours à la recherche de connexion – d’un « autre » dans lequel se voir, mais particulièrement de l’étreinte réconfortante de sa mère. Mais le cordon ombilical, une fois sectionné, ne peut être remis en place ; il s’éloigne d’elle dans l’obscurité. Dès le début, il y a un sentiment de déconnexion traumatique.

Bientôt, nous sommes présentés à sa mère, Valu (jouée avec vigueur et profondeur par Katerina Fatupaito), dans une séquence comique (rafraîchissante et bienvenue). Même si elle est imprégnée de la tradition et des comportements samoans, elle est une determine profondément reconnaissable : la mère pas encore prête à lâcher prise sur sa jeunesse, dont la fille n’est qu’un rappel de son âge. Ou peut-être est-ce le manque de compréhension de Pepe qui irrite tant Valu – son lien avec le moderne, le western. Le propre lien de Valu avec l’ancêtre, Aiga (Ma’aola Faasavala), est sacré et pourtant plein d’obscurité, la piégeant dans des modes de toxicité et de colère. Aiga elle-même est une determine insaisissable, le spectre souvent maléfique qui hante la pièce, mais qui, tel un dieu, semble défier toute définition.

Les trois figures féminines représentent le passé, le présent et le futur. Le passé occupe une place importante dans l’espace du rêve, mais il est rarement directement accessible. Pepe, en particulier, est coupé du passé (Aiga) pour la majeure partie de la pièce. Valu, en tant que présent, doit porter le fardeau du passé. Aiga est à vif d’une sorte de rage démoniaque, peut-être du traumatisme du colonialisme. C’est à travers Valu que cette rage se manifeste jusqu’à devenir un cycle qui menace également de piéger Pepe. Les trois interprètes sont électriques ensemble, leur physicalité forte et fluide. Ils parviennent à conserver une légèreté, même s’ils explorent les profondeurs de la colère, des ténèbres et du désespoir.

Les feuilles réfléchissantes, évocatrices de la mer, sont parfaites pour un article sur la tradition insulaire. Mais, comme presque tout le reste de cette exposition, leur signification symbolique est glissante, fantomatique – contenant des multitudes. Parfois c’est le soleil sur l’océan, parfois la lune. Parfois, c’est l’obscurité de la déconnexion, de la solitude – qui ne reflète que votre propre picture. Parfois, cela reflète le passé, les visages de vos ancêtres. Parfois, il révèle inexplicablement un artiste derrière lui, devenant ainsi une fenêtre sur le royaume des esprits et des rêves.

Au centre du décor se trouve une grande boîte transparente qui avance sur un assist presque jusqu’au devant de la scène. Cette mise en scène est si easy mais tellement efficace. Cela crée le royaume du passé – seen, suffisamment proche pour être touché, et pourtant clairement délimité, pas tout à fait accessible. Des faisceaux laser violets se réfractent à travers elle comme la lumière des étoiles – anciennes, mais persistantes dans le présent. C’est l’espace de l’ancêtre, Aiga. Et, tout comme elle, c’est parfois une drive des ténèbres, un endroit où Valu et Pepe finissent par se retrouver piégés, retenus dans des schémas de peur et de rage. Moe Miti discover une relation complexe avec le passé, la façon dont il peut à la fois nourrir et lier, et la boîte en est la manifestation physique.

Finalement, les trois personnages parviennent à sortir du cadre, menés par Pepe. Cette fin est provisoirement pleine d’espoir – le soudain éclair de lumière est austère, presque révélateur, après avoir été si longtemps dans l’obscurité. Mais alors que les trois commencent à chanter ensemble, il y a enfin un sentiment d’amour et de connexion.

Il y a tellement de sens à tirer de cette pièce riche et évocatrice. Il s’agit d’un magnifique mélange d’histoires, de symboles et de modes qui trouvera un écho particulièrement auprès des membres du public de Pasifika mais qui est universellement accessible. Il intègre habilement ses éléments technologiques et de conception innovants avec la physicalité et le texte. C’est primal, émouvant et magnétique – une pièce éblouissante et électrisante qui, j’espère certainement, a un brillant avenir devant elle.

Moe Miti joue au Q Theatre Loft du 22 au 27 août 2023

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