« Aussi calme que cela soit, il n’y avait pas de soucis à l’automne 1941. »
C’est la phrase d’ouverture de « The Bluest Eye » de Toni Morrison, et la supply d’inspiration pour le titre du Biennale du Whitney Museum of American Artwork. Eh bien, une des inspirations. Et puis, ça fait trois ans, pas deux. (Insérer un soupir) C’est compliqué.
Le spectacle n’a soi-disant pas de début fixe, un choix entre le 5ème ou le 6ème étage, et constitue un cercle évolutif. En évolution automobile de nombreuses œuvres vont changer, être démontées et réaccrochées au fil de l’exposition. Il y a cependant une antichambre au 6ème étage qui me semble être le level de départ souhaité. Je suppose que l’choice de commencer ailleurs est un choix de rejoindre la dialog selon vos propres situations, une manière de défier le cap structurel. Je n’ai pas personnellement fait ce choix et j’ai estimé que les photographs bruyantes des manifestations donnent certainement le ton à ce qui me semble, la perspective historique avec laquelle les conservateurs de Whitney espèrent que les visiteurs entrent.
Cité pour son désir de créer « un spectacle qui ressemble à l’époque dans laquelle il se déroule », abordant les questions de l’identité américaine, les problèmes structurels de la tradition et la diversité des médiums, le spectacle met au premier plan les problèmes contemporains. J’ai ressenti l’intensité de la division politique dans la tradition américaine actuelle, même dans la disposition structurelle des deux galeries ; on est ouvert, lumineux, spacieux mais sans orientation. L’autre est plus sombre, labyrinthique, pourrait amener certains à se sentir claustrophobes tandis que d’autres pourraient apprécier la facilité du chemin. Je suis curieux de savoir si la préférence des contributors pour l’expérience physique d’une galerie plutôt que d’une autre a une corrélation avec les tendances de vote.
L’exposition présente le travail de 63 artistes, mais les commissaires décrivent une volonté « d’être aux côtés des artistes, de ne pas compter sur eux » pour parler des temps modernes. Sachant que la planification de la biennale a commencé bien avant l’ouverture des portes, il est unimaginable de nier que certains artistes seront sélectionnés pour le contenu de leur travail et l’identité qu’ils présentent à travers celle-ci en lien avec les récits populaires. Personnellement, j’ai apprécié l’étendue des varieties d’œuvres présentées dans l’exposition. Il ressort clairement des choix de conception et de la gamme de travaux que la biennale a été totalement exhaustive en termes de recherche et de planification. Pour moi, cela ne m’a pas apporté une nouvelle expérience ou un aperçu de l’identité américaine, de l’histoire ou de l’époque actuelle à travers l’artwork.
Un spectacle qui a absolument fourni cette expérience était le Exposition de photographies de Dawoud Bey au Whitney, dont l’affichage innovant et la musique sonore qui l’accompagne avec des pictures d’aires de repos le lengthy du chemin de fer souterrain m’ont marqué jusqu’à ce jour.
J’ai l’impression que cette exposition passée a eu plus de succès pour moi parce qu’elle m’a permis de faire partie de l’artwork, d’en faire l’expérience par moi-même sans la mise en avant émotionnelle de la marginalité, de « l’altérité ». Bien qu’une « biennale » ressemble à un titre de célébration ou à un anniversaire, il ne s’agit pas ici d’une célébration.
C’est le style de spectacle qui a de bonnes intentions dans l’esprit de communauté en ce sens qu’il demande aux contributors de regarder vers les confins du cercle et de rapprocher ceux qui sont en marge, d’être empathiques envers la souffrance ou le questionnement. D’autres choisissent de célébrer les unités qui vous unissent déjà. Je ne sais pas si c’est à trigger de l’intense opposition détaillée par les médias de chaque quartier sur les questions de relations raciales, d’éducation, de droits de l’homme, d’immigration, de capitalisme, de véganisme, d’armes à feu, and so on., and so on., qu’il semble que nous n’ayons pas grand-chose. en termes d’identité et d’esprit unis. Le spectacle au Whitney semble capturer le premier. Peut-être pouvons-nous tous nous unir sous le couvert de l’identité du bienfaiteur parce que nous sommes allés voir une exposition d’artwork avec des œuvres d’artwork créées par des noirs, des bruns et des homosexuels. Personnellement, j’ai beaucoup apprécié les œuvres d’artwork. Je n’aimais tout simplement pas l’impression qu’on me disait ce que je ressentais à ce sujet.
Un spectacle intitulé avec l’intention de garder quelque selected de secret, dans ce contexte et peut-être celui du spectacle lui-même, si secret que même les créateurs refusent d’admettre quelque selected, l’inquiétude d’une vérité évidente. Le however de cette émission ne semble pas être de poser des questions, mais de dire quelque selected de très précis.
