Cette collaboration entre NZ Opera et Black Grace suggest une mise en scène intimiste de l’opéra de Gluck de 1769 Orphée et Eurydice. La combinaison de la réorchestration raffinée de Gareth Farr et des conseils de Neil Ieremia en tant que metteur en scène et chorégraphe produit une réimagination largement accessible et convaincante du mythe grec tragique.
Les changements les plus frappants dans la réorchestration de Farr sont que le clavecin et les timbales cèdent la place au marimba et que la harpe disparaît au revenue de la lyre de l’homme moderne – la guitare. L’ajout de ces devices fait des merveilles en changeant le ton de l’œuvre. Fini le pincement excessivement formel et souvent fleuri du clavecin. A sa place, le marimba offre à la fois l’élément percussif des timbales et la mélodie d’un instrument à cordes. Le marimba a également pour effet supplémentaire de produire une ressemblance auditive avec le Pātē, un tambour à fente samoan, dans la mesure où le son est produit en frappant du bois. L’introduction d’une guitare rapproche ensuite l’œuvre du 21St siècle et pour les spectateurs peu habitués aux devices d’orchestre, offre une passerelle sonore vers la composition.
Affiner l’orchestration pour qu’elle puisse être interprétée par un ensemble de chambre moderne a pour effet supplémentaire de mettre en valeur les voix d’devices particuliers. Cela était particulièrement seen avec les devices à cordes, automobile il ne semblait y avoir que deux violons dans la fosse d’orchestre. Le fait de n’avoir qu’un premier et un deuxième violon permettait à l’auditeur de se concentrer sur la différence entre les sections. Parfois, le premier violon, plus mélodique, dansait au-dessus du deuxième violon de soutien et souvent rythmé, ce qui donnait une légèreté générale au toucher.
Cette légèreté se retrouve dans les performances vocales des trois protagonistes. La efficiency d’Orphée par Samson Setu est marquée par le contrôle. Son baryton chaleureux est très mesuré, quoique un peu trop retenu. J’avais envie d’un peu plus de couleur, ou de rugosité, pour exprimer l’angoisse d’Orphée. En réalité, Setu le plus passionné est apparu lors de la première pièce chorale de l’acte 1. Chanté en samoan et accompagné d’pictures de deuil communautaire, Orphée apparaît sur une plate-forme surélevée au-dessus du chœur et des danseurs. La plate-forme n’est peuplée que d’une chaise singulière et d’une voiture de couleur sombre, garées devant le public. Là, à contre-jour et isolé à la fois physiquement et par son chagrin, Setu dans le rôle d’Orphée exécute une danse répétitive de désir et de perte, frappant ses avant-bras et son cœur, ponctué uniquement par ses cris d’« Eurydice !
Finalement, Orphée est secoué de sa méditation mélancolique par l’arrivée d’Amor. Amor de Madison Nonoa est amusant et jeune, et interprété dans une soprano laboureuse – un contrepoint presque semblable à celui d’un oiseau au sombre Orphée de Setu. Vêtu de bottes chaussettes rouges sinistres, de chignons spatiaux et d’une doudoune courte, le personnage se despatched vraiment un imposteur face à une palette de couleurs autrement sourde. Mon compagnon de la soirée a remarqué le sentiment d’aisance et d’espièglerie dont Nonoa a fait preuve et en creusant un peu, il ressort que ce n’est pas la première fois que Nonoa joue le rôle d’Amor, ayant déjà chanté comme Amore dans Orphée et Euridice pour les festivals de Salzbourg et de Pentecôte, et comme Amour dans Orphée et Eurydice avec Raphaël Pichon et Ensemble.
Une fois qu’Amor a mis Orphée sur son chemin vers les enfers, la plénitude de la imaginative and prescient de la créatrice Tracy Grant Lord est révélée. Jusqu’à présent, la construction supportant la plate-forme sur laquelle se tient Orphée est masquée par deux grands panneaux flottants en tissu blanc ou crème à texture florale. Ces panneaux sont retirés pour révéler une picture inversée saisissante du « storage » dans lequel Orphée se trouvait. La chaise et la voiture sont reflétées par des homologues à l’envers et l’entrée d’Orphée dans cette région inférieure se fait en entrant dans la voiture au niveau supérieur et en sortant du véhicule par le dessous de la plate-forme. C’est à la fois un décor spectaculaire et une représentation délicieusement simpliste des deux mondes.
C’est ici, dans le royaume stygien, que réside Eurydice de Deborah Wai Kapohe. Wai Kapohe possède une voix de soprano cristalline, dont la clarté est d’autant plus impressionnante si on la evaluate à l’acoustique plutôt étouffante de la scène principale du théâtre ASB Waterfront. Ce n’est que dans le récitatif que la voix de Wai Kapohe devient un peu contrainte. L’arrivée du personnage d’Eurydice introduit de nouveaux éléments tonals dans l’opéra. Le duo (Vieni, appaga il tuo consorte”/ Viens, suis un époux”) entre Eurydice et Orphée est d’une douceur trippante et dans cette manufacturing est devenu comique automobile Eurydice, dans son ignorance des circumstances de sa libération, blâme le manque de désir d’Orphée. tenir la important sur l’infidélité. Bien que cela ait suscité les rires du public, il s’oppose mal au mythe dans son ensemble et on se demande s’il est potential d’atténuer davantage les écarts entre la mélancolie accrue et dramatique du chagrin d’Orphée et ce qui se lit comme une dispute insignifiante d’amoureux.
Le chant du duo en anglais ajoute sans doute à ce brusque changement, automobile le chant lyrique en anglais semble toujours écrêter et restreindre la résonance de la voix, entraînant un mélange d’incompréhensibilité et d’allongement forcé. Ne vous y trompez pas, Setu, Wai Kapohe et Nonoa avaient une belle voix, ce n’est qu’une limitation de ce que peut offrir la langue anglaise. En comparaison, les traductions samoanes sortaient de la langue avec beaucoup plus de facilité que les traductions anglaises, et ces deux pièces chorales étaient bien plus émouvantes et émouvantes, aussi lourdes soient-elles dans leurs voyelles resplendissantes.
Cette mise en scène est grandement rehaussée par l’ajout d’une cohorte de danseurs Black Grace. Black Grace, comme toujours, trouve des moyens non seulement d’exprimer l’inexprimable, mais aussi de réussir à raconter en mouvement le rythme de l’histoire et à faire allusion aux états intérieurs des personnages d’Orpéhée et d’Eurydice. La présence des danseurs produit un effet double, automobile non seulement le récit et les sentiments de l’opéra sont communiqués à travers la partition, mais aussi à travers les corps des danseurs et le mouvement de leurs vêtements. Je me suis retrouvé à regarder les danseurs afin d’absorber les émotions représentées plutôt que d’écouter les paroles chantées. Ce recentrage a été encouragé par le fait que sous la course d’Ieremia la distinction entre « danseurs » et « chœur » est parfois floue. Tous les interprètes étaient capables de bouger avec grâce et ardour, et la chorégraphie très fluide offre encore une autre couche d’enchantement et d’accessibilité – servant à magnifier des éléments de l’œuvre originale de Gluck tout en cimentant cette mise en scène dans notre contexte particulier du Pacifique. Un exemple d’ajout spécifique au contexte rendu potential par la présence de Black Grace et la course de Ieremia est la pièce chorale finale dans laquelle les danseurs et le chœur se joignent pour interpréter un sasa de célébration en réponse au retour d’Eurydice. Ce dernier second choral fut un triomphe dans la mise en scène et rehaussa considérablement la conclusion narrative.
(m)Orpheus est un projet passionnant à présenter pour NZO et j’espère qu’il mènera à d’autres partenariats créatifs et à des mises en scène ambitieuses.
(m)Orphée a joué à l’ASB Theatre Auckland 6ème-dixème de septembre et l’Opéra, Wellington 20ème-23rd Septembre 2023.
