Le 23 avril, j’ai pu assister à l’ouverture de ‘Trou noir; Trilogie et Triathlon‘, la dernière manufacturing organisée lors de la saison du 10e anniversaire de Arts vivants à New York depuis TRIBUchorégraphié par Shamel Pitts.
Nous, le public, n’avions pas reçu de programme avant le spectacle, donc j’en savais très peu de choses avant d’entrer dans la salle bondée. Peut-être que l’équipe de manufacturing était occupée à aider les gens à s’asseoir après que nous ayons tous dû attendre dans le corridor jusqu’au début du spectacle. Il y avait un couple grossier et difficile assis aux mauvais sièges derrière moi et lorsque l’huissier leur a demandé s’ils voulaient simplement descendre d’un siège, l’homme a répondu : « non, nous resterons ici ». Le théâtre fait ressortir les meilleurs et les pires comportements des gens.
J’ai aimé ne pas avoir de connaissance préalable du « sujet » de ce travail, y aller à l’aveugle et prendre tout au pied de la lettre sans aligner mon interprétation sur une explication.
Voici cette explication, au cas où les lecteurs ne seraient pas des voyageurs aussi intrépides du théâtre…
Dans BLACK HOLE, un trio d’artistes noirs (tous d’origine africaine)
partager la scène dans un récit d’unité, de vigueur et d’implacable
avancement. Leur voyage prend naissance dans l’obscurité du titulaire
Black Gap, compris non pas comme un vide cosmique mais comme un lieu métaphorique
de transformation et de potentiel. Englouti dans un paysage sonore évocateur
de musique originale, d’extraits sonores et de créations orales, les danseurs embarquent
dans un voyage en mouvement ininterrompu d’une heure au cours duquel leurs
la ténacité et la grâce sont soulignées par des projections vidéo cinématographiques et
lumières austères et monochromatiques.
BLACK HOLE – Trilogie et Triathlon conclut la Trilogie Noire,
une série de performances reside profondément personnelles conçues et
chorégraphié par Pitts depuis 2015. La première œuvre de cette assortment,
un solo BLACK BOX – Little Ebook of RED, a introduit le récurrent
thèmes de ce cycle : identité, recherche des racines et de la communauté, et
évolution personnelle de l’artiste, né « jeune, surdoué et noir ». 2019
a vu la première new-yorkaise de BLACK VELVET – Architectures And
Archétypes, « un duo envoûtant » (The New York Occasions) avec le Brésilien-
née Mirelle Martins. Collaboration avec elle et d’autres Black Sequence
Les artistes ont par la suite stimulé la création de TRIBE, une
collectif de créatifs internationaux, unis par les idéaux afrofuturistes et
objectifs partagés.
*La critique du New York Occasions sur cette émission a utilisé le mot « afrofuturiste » dans son titre. Je suppose que c’est de là qu’ils ont obtenu cela, puisqu’il n’y avait rien pour moi dans la efficiency qui suggérait cet idéal au-delà du fait que les trois interprètes étaient, comme le dit le « à propos », d’origine africaine. L’écrivain du Occasions m’a également dit que j’étais à sa place et que ce n’était pas le cas. J’étais là à l’heure et je peux lire mon propre nom sur la signalisation réservée, merci beaucoup.
Avant le début du spectacle, un cercle de lumière blanche tachetée avec des ombres noires jaillissait au centre de la scène. Cela me ressemblait à un étang avec de minuscules créatures en développement, des poissons ou des têtards. Le spectacle begin dans l’obscurité, à l’exception de ce cercle, le trou d’où émergent lentement les trois danseurs sous une bâche conçue par Naomi Maaravi, rampant vers l’arrière, les mains et les bras tirant leurs jambes tendues jusqu’à ce qu’ils commencent à utiliser les deux mains et les genoux. Ce fut une introduction très réussie à l’évolution biologique. La façon dont ils se tordaient les hanches, les jambes et les pieds tout en se traînant le lengthy de la scène évoque des photos de queues de poisson, complétées dans l’éclairage brumeux par ce qui ressemble à de la peinture corporelle métallique. Ils semblaient à la fois humides et métalliques, dorés et écailleux. C’est une ouverture lente, la musique plus atmosphérique que la mélodie, la chorégraphie plus de mouvement que de pas de danse reconnaissable. C’est fastidieux et lent, mais de cette façon, il est plus facile d’apprécier les changements. Au second où les trois danseurs sont complètement debout et regardent vers le haut vers quelque selected qu’ils semblent tous voir, c’est très satisfaisant.
Bien qu’ils soient debout, les trois danseurs- Shamel Pitts, Tushrik Fredericks et Marcella Lewis– passer une grande partie de la efficiency pas tout à fait debout, plutôt dans une charnière profonde vers l’arrière sur les genoux fléchis. Pour moi, cela ressemble au processus opportun de l’histoire consistant à redresser une colonne vertébrale, à passer du statut d’invertébré à la colonne d’os dressée qui soutient la plupart d’entre nous aujourd’hui. Cela m’a également rappelé les cours passés de Horton, suivis et enseignés, qui me manquent beaucoup, même les flatbacks.
La chorégraphie du début à la fin semble inconfortable à réaliser. Cela ne veut pas dire que ce n’est pas agréable à regarder ou qu’il n’a pas été réalisé avec une vitesse, une agilité, une power et une fluidité incroyables. Mais il ne s’agit pas ici de danses de ballet classique ou de jazz de théâtre, douces et scintillantes, gracieuses ou attractive. Il ne semble pas qu’ils jouent pour nous, ni même qu’ils aient conscience de nous. Ils tentent de survivre, et peut-être y parviennent-ils ensemble. Mais nous ne faisons pas partie de la dialog.
En tant qu’élément de narration, la chorégraphie est l’un des elements les plus innovants de l’œuvre. Il y a des fils clairs d’histoire et de recherche sur l’évolution du corps humain et la démonstration de l’entraînement dans son équilibre et ses transitions. Mais la chorégraphie n’est pas un enchaînement de pas malgré l’inclusion de sauts, de virages et de portés. Le mouvement, impressionnant et engageant, semble naturel et nécessaire au monde créé spécifiquement pour cette scène. Il ne s’agit pas d’une réinvention de la roue de la danse, mais d’un retour en arrière pour explorer le langage du corps avant que nous ayons les mots conventionnels ou les pas qui racontent la plupart des histoires aujourd’hui.
La seule selected qui me plaisait en termes de danse était quelques particularités dans de rares moments d’unité. À un second donné, les trois danseurs courent sur place, debout sur leur jambe gauche, la jambe droite se balançant furieusement alors qu’ils font face au coin inférieur de la scène. Cependant, j’ai remarqué que le pied droit d’un danseur ne touchait pas du tout le sol – équilibre très impressionnant – tandis que les deux autres enfonçaient la pointe du pied droit au sol avant de balayer la jambe vers l’arrière. Une model n’était pas meilleure que l’autre, mais lorsque le mouvement est clairsemé, de petits détails ressortent et cet écart perturbe le timing. Je ne sais pas si cela compte beaucoup pour l’histoire globale, et pourrait être juste le reflet de mon histoire de ballet où vous seriez détruit par le maître de ballet si votre petit doigt était différent du reste du corps de ballet. Nous regardons et parlons tous du monde à partir du prisme qui nous entoure et qui nous est imposé dans notre propre histoire personnelle.
Vers la fin de la pièce, les danseurs retournent dans le trou, puis réapparaissent debout, la bâche maintenant comme une cape drapée autour des trois, se tenant l’un contre l’autre comme un roi ou une reine à 3 têtes. Je n’ai pas compris cette partie. Cela m’a juste fait penser au chien à 3 têtes dans Harry Potter, mais comme je l’ai dit, l’histoire personnelle façonne notre imaginative and prescient du monde et je suis historiquement un con.
La musique était un mélange fascinant de sons statiques, de textes (que je ne comprenais pas du tout parce qu’ils faisaient beaucoup d’écho), de compositions chorales classiques de John Tavener, Nina simone, et un dernier morceau que j’ai recherché de manière obsessionnelle depuis le spectacle et que je n’arrive pas à trouver. Je pense que c’est une pièce électronique de Actrice et c’était la sélection musicale la plus rythmée. Pour cette raison, et parce qu’une grande partie du spectacle est lente et interminable, avec des sections de mouvements rapides réalisées sur une musique amorphe, je voulais vraiment une part de mouvements rapides pour accompagner la musique battante. Encore une fois, c’est peut-être simplement le traditionaliste en moi qui attend une grande finale.
Le son a été mixé par Zen Jefferson, que j’ai immédiatement cru connaître à l’Interlochen Arts Academy. J’avais un ami au lycée qui est allé à Juilliard, où Pitts a également étudié, donc le lien semblait believable. Jefferson n’avait pas de biographie dans le programme, alors je l’ai recherché sur Instagram. Cela ne ressemblait pas vraiment à mon ami de lycée, mais le temps nous change. Je viens de me rappeler que le nom de ce gars était Zen Masterson, pas Jefferson, donc je dois m’excuser auprès de Jefferson pour avoir rampé sur toutes ses histoires Instagram. Je veux dire, combien de personnes connaissez-vous dont le nom est Zen ? Je me demande ce qui est arrivé à ce sort. Tout ça pour dire que le mixage sonore était vraiment diversifié et génial.
Il serait très intéressant d’apprendre le processus de Pitts pour trouver des idées de mouvement dans cette pièce… sur le processus. Je suis curieux de savoir si la méthode de création correspond à l’intention souhaitée, si les danseurs et le chorégraphe ont dû s’immerger dans la physicalité de la lutte et de l’exploration de ces personnages. La suppression des conventions classiques enlève la mise en scène de la danse, nous nous retrouvons avec quelque selected d’authentique. Je constate souvent que les gens réagissent à la danse en se demandant : « qu’est-ce que cela signifie ? Bizarrement, je doute que quiconque ait eu à se poser cette query avec Trou noir. De la mise en scène aux costumes, en passant par l’éclairage, le son, la chorégraphie et la efficiency, l’œuvre parle de la communication et de la connaissance de ce que signifie être humain qui est enfoui au plus profond de chacun de nous.
Ce qui m’a le plus marqué dans ce travail, ce sont les thèmes de la lutte, du besoin de connexion, du désir d’ascension. L’œuvre permet au public d’expérimenter sans être pédant, elle était rassembleuse et édifiante. Il y a quelque selected de spirituel à l’œuvre, le sentiment d’effort et de cheminement vrai au cœur de chaque vie. La pièce se termine avec les trois danseurs marchant ensemble, se saisissant les uns les autres, levant les yeux tandis que les projections numériques font pleuvoir sur eux des flux rapides de lumière blanche, la lumière de la scène s’estompant, ne laissant que le rythme puissant de la musique et les jets continus de lumière projetée. Ils semblent être loin au fond du trou, la lumière d’une cascade menaçante se dirigeant vers eux. Il semble qu’ils aient un très lengthy chemin à parcourir dans ce voyage vulnérable et exigeant, mais ils se connaissent l’un l’autre, et qu’ils le sachent ou non, le public, confortablement assis depuis notre perchoir du temps et de l’évolution, les soutient. J’espère qu’ils y parviendront et je n’ai aucun doute qu’ils y parviendront.
Je passe en revue la danse et l’artwork depuis plus de dix ans et celle-ci est sans aucun doute l’une des dix œuvres les plus percutantes, innovantes et tout simplement incroyablement impressionnantes que j’ai jamais eu le privilège de voir et d’expérimenter. C’est la raison pour laquelle cette révision est en fait si attendue. Je suppose que la créativité et l’innovation ici, alors que ces artistes ont apparemment à leur disposition tous les outils conventionnels d’une belle scène et des corps pleinement capables, leur volonté d’aller sous terre jusqu’aux couches profondes du mouvement qui existent avant et au-delà des pas fantaisistes et de l’extension que nous avons. voir partout sur Instagram ces jours-ci me rend, en tant que danseuse nouvellement handicapée, un peu salée. Le easy fait d’écrire sur ce spectacle, le rappel d’une création sans conference, m’a fait me sentir un peu mieux, un peu inspiré dans ma propre vie. Je me demande si d’autres membres du public partagent cette réflexion.
C’est comme si j’étais au fond du trou avec eux, dans l’eau et dans le noir, les yeux levés. J’ai aussi l’impression qu’il me reste un lengthy chemin à parcourir mais je pense que j’y arriverai et je suis personnellement très reconnaissant envers ces artistes pour ce travail.
