L’énergie lumineuse, au sens quantitatif, est mesurée en lux ou en candelas, l’éclairage d’une floor d’un mètre carré à un mètre d’une seule bougie. Avec des milliers de bougies d’ambiance éclairant le Quatuor à cordes Highline et danseurs de Danse des prés de moutons Théâtrele Ballet aux chandelles d’Irondale l’expérience est celle qui remplit l’espace physique et l’œil de l’esprit de la beauté, de l’énergie et du romantisme du passé. Le spectacle parvient à reprendre et à honorer des classiques intemporels dans des performances stay, éphémères comme la flamme brillante d’une bougie.
Organisée dans l’structure d’Irondale à Brooklyn, semblable à une église, l’expérience begin dès la porte, en montant un escalier en bois faiblement éclairé par des bougies électriques qui brillent sur les marches. L’espace de représentation à l’étage ressemble à une cathédrale, avec de hautes fenêtres aux extrémités de la pièce laissant entrer des flaques de lumière. Il y a un bar sur le chemin de l’espace de représentation, ajoutant à la théâtralité et au plaisir des sens. Les sièges sont conçus avec une disposition de scène en avant, permettant au public d’entourer les angles latéraux de la scène sans rideaux ainsi que le level de vue typique de l’avant-scène. Cela représente toujours un défi intéressant dans le ballet, puisque l’essence de la marque de fabrique du ballet a été établie en gardant à l’esprit le level de vue distinctive du public et de l’anatomie des interprètes. Alors que le roi de France Louis XIV voulait que tout le monde voie ses muscular tissues de mollets très désirables, avec une scène de poussée, nous pouvons voir tous les angles du corps et parfois manquer les motifs et l’structure de la chorégraphie ballet.
Le vieux roi soleil du ballet. Bon Dieu, ce costume.
Cela m’a rappelé un peu mon expérience de public préférée, voir « La Bayadère » du Ballet Mariinsky à Saint-Pétersbourg, assis au centre du balcon, en sirotant du champagne avec mes camarades danseurs. Dis-moi que ce n’est pas un rêve.
Chaque morceau musical a été présenté par l’un des membres du Highline Quartet. Depuis leur plate-forme surélevée derrière l’espace de danse, ils ont donné des informations intéressantes et des conseils sur les éléments à écouter dans les sélections. Les œuvres choisies étaient des œuvres préférées de grands compositeurs, Brahms, Khatchatourian, Dvorak et Tchaïkovski parmi eux. Mes favoris personnels étaient le magnifique adagio de Massenetc’est Thaïs – « Méditation »– et l’athlétisme juvénile du ‘Quatuor américain’ depuis Dvorák‘s’Vivace ma non troppo’la finale de N ° 12 en fa majeur, op. 96. Ce dernier avait un sentiment de Far West, un jeu saccadé qui ressemblait à des chevaux au trot et des harmonies gonflées évoquant le franchissement triomphal d’une ligne d’arrivée à toute vitesse avec de l’énergie à revendre. Je me souviens à peine d’avoir été jeune, mais je pense que c’était comme ça. Cette pièce a suscité un tel enthousiasme de la half du public que le quatuor a reçu un salut bien mérité.
Mon autre morceau préféré des musiciens était un morceau de tango que je ne connaissais pas, décrit comme étant inspiré de Buenos Aires (une de mes villes préférées) et quelque selected avec l’hiver. Je n’ai pas saisi tous les détails et ils ne nous ont pas donné de programme. Ils ont joué avec une diversité de sons ; la traction profonde et passionnée du violoncelle mélangée à la romance de l’alto, la rigidity occasionnelle et irritante du violon. La pièce et la efficiency impeccable ont inspiré des visions de lieux lointains et de nuits romantiques. C’est le pouvoir de l’artwork, la capacité de transporter l’individu vers des époques et des lieux différents, ceux réellement vécus et ceux seulement imaginés.
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De nombreuses pièces étaient accompagnées de performances stay avec des danseurs de Théâtre de danse Sheep Meadow en chorégraphie du réalisateur, Billy Blanken. La chorégraphie offrait une merveilleuse gamme de types allant du canon classique aux variations du Variation de la Fée Dragéel’acte 2 Valse des guirlandes de La Belle au bois dormant, à mon préféré de tous les temps, Le cygne mourant variation. Il y avait des sélections d’œuvres classiques qui incluaient une touche plus exotique, comme le solo d’ouverture du Brahmc’est Danse hongroisele Danse du sabre pas de deux, et un duo néoclassique avec une utilisation plus jazzée du tour qui rappelle de nombreuses œuvres de Balanchine. Les œuvres offraient toute une palette d’émotions ; de la joie à la fragilité, en passant par la connexion sensuelle et la bravade manifeste, parfaits pour les nouveaux venus dans le ballet classique et les amateurs de théâtre chevronnés. La chorégraphie comprenait de belles portées et des moments mettant en valeur à la fois la method et le expertise artistique, avec des étapes methods difficiles et des moments de simplicité. Cela était particulièrement vrai dans le duo néoclassique et dans le solo de danse hongroise d’ouverture. La chorégraphie n’a jamais été trop compliquée, a fait un bel utilization de l’espace scénique et a mis en valeur ce qui était censé être exprimé à travers la musique et la caractérisation dans des mouvements à la fois dramatiques et délicats. La gamme de magnifiques costumes, du tutu classique blanc aux hauts courts et sarouels soyeux comme on le voit dans des ballets comme Shéhérazade ajouté à la fantaisie de l’expérience et mis en valeur le beau physique des interprètes. La imaginative and prescient époustouflante des danseurs, avec leurs corps souples et sculptés, parés d’élégance et de costumes grandioses, constitue la moitié de l’attrait du ballet.
L’autre moitié est ce qui se situe au-delà du spectre visuel, la half de la musique et de la danse qui, d’une manière ou d’une autre, rend seen l’invisible. C’est ici que le spectacle, pour moi, n’était pas à la hauteur de l’ambiance de l’espace et du don de la musique et de la chorégraphie. Souvent, les danseurs semblaient hésitants dans leur method, leurs yeux baissés vers le sol, on pouvait voir une rigidity dans leur cou ou même une expression faciale en colère qui ne correspondait pas à l’agrément, par exemple, de la valse finale de Tchaïkovski. Je voyais de la peur dans la préparation devant une arabesque piqué, un bras latéral trop haut qui signifiait une rigidity dans le corps. Il y a eu certaines performances où le corps dansant semblait pleinement succesful, fort, articulé, mais l’énergie s’arrêtait aux yeux et au bout des doigts. Dans certaines des sélections les plus dynamiques, il aurait pu y avoir plus d’enthousiasme, de charme, une touche d’énergie qui met en valeur la musique et exige l’consideration du public plutôt que de s’en excuser. Chaque danseur avait des attributs fantastiques, certains avaient des lignes et une extension magnifiques, des pieds magnifiquement formés, de jolis ports de soutien-gorge. Un danseur, Malcolm quelque selected (encore une fois, aucun programme pour citer correctement les noms) avait l’énergie la plus généreuse, avec des sauts puissants et un partenariat attentif. Il semblait présent avec les autres danseurs sur scène et dans son propre corps d’une manière confiante et audacieuse qui était un plaisir à regarder. Un autre level fort a été la danseuse Sabrina dans la variation Dying Swan, avec des bourées flottantes comme l’éclair à l’entrée et des pauses délibérées pour respirer dans un grand effet dynamique. Il y avait un peu de la qualité spastique que certains interprètes choisissent de souligner dans cette variation, Makarova par exemple, où la descente vers la pose finale de soumission est semée d’embûches, les bras se balançant avec élan dans le port de bras ailé circulaire plutôt que de plumes. -comme la douceur. L’affichage de l’énergie et de la puissance musculaire convenait à cette adaptation avec son inclusion d’étapes allegro comme des tour jetes. Cette variation présentait une œuvre classique avec un artwork frais et délibéré qui avait quelque selected à dire. Chaque danseur a eu des moments de génie ; les changements de path en chaines éblouissantes dans le solo d’ouverture, la netteté cristalline du pas de chat italien et la frappe dramatique des excursions piqués finaux se terminant sur un b plus parfait, motionless et brillant dans la variation dragée. Ce fut un joyau de efficiency dans une chorégraphie extrêmement exigeante qui brillait d’une grâce majestueuse et puissante.
Il existe un phénomène amusant dans le monde naturel : les globes oculaires physiques ne se développent que chez les espèces où il y a de la lumière dans l’environnement. Les créatures vivant dans l’obscurité profonde de l’océan n’auraient aucune utilité pour de tels appendices, elles n’en ont donc tout simplement pas. Le problème avec la musique, c’est que vous pouvez vous asseoir dans une pièce sombre et imaginer des choses incroyables dans votre esprit. Ainsi, la imaginative and prescient des danseurs peut ajouter une illustration de ce qui se cache dans la musique, des émotions qui peuvent être exprimées, une couche supplémentaire de beauté. Ils ont eu beaucoup de succès dans ce dernier cas, mais personnellement, j’aurais souhaité plus dans l’expression. Une grande partie de l’éclairage s’est arrêtée sur le corps. Il y avait très peu de luminosité de l’âme. Quand j’ai regardé ces performances, j’ai surtout ressenti la tentative d’être appropriate, la peur de gâcher. J’aimerais pouvoir rassurer ces danseurs sur leurs capacités afin que lorsqu’ils montent sur scène, nous puissions vivre leur ardour plus que ce qui est facilement détecté à l’œil nu. Notre vue physique a été développée pour voir des données visuelles, mais nous, en tant qu’humains, avons développé la musique et l’artwork pour afficher l’expérience abstraite et intemporelle.
J’ai le sentiment de regarder cette émission comme nous le faisons tous, à partir de notre histoire personnelle et de nos compétences. Je connais le sentiment de rigidity et d’insécurité dans le ballet, donc je sais remark cela se manifeste dans la method. Je ne suis pas sûr que d’autres, sans un œil averti, percevraient ces petites nuances. Je pense que ce qui est transmissible en regardant un spectacle de danse dépend en grande partie de la mesure dans laquelle une personne peut imaginer l’expérience d’elle-même en prepare de faire ce que fait l’interprète. Si quelqu’un n’a aucune expérience sur scène en costume, avec ce niveau de flexibilité, avec la puissance du saut, alors la capacité physique est suffisante pour être vraiment éblouissante. Pour ceux d’entre nous qui connaissent l’motion du corps, nous nous imaginons faire des choses familières. Je suppose que pour moi, en tant que personne handicapée après une vie passée à danser, la jalousie que je ressens face à mes capacités physiques est stupéfiante et difficile à supporter. Quand je vois des danseurs qui me semblent avoir peur ou ne pas apprécier cela, j’aimerais qu’il y ait quelque selected pour rassurer les doutes et leur permettre de profiter de ces opportunités pour que nous, le public, puissions aussi le faire. Même dans un corps en parfaite santé, le laps de temps pour profiter de ce niveau d’athlétisme et d’motion est bref, précieux, une bougie décroissante qui s’éteindra inévitablement soit en raison de l’âge, d’une blessure ou d’une easy dissolution de la ardour. Si la ardour et l’opportunité sont là, je souhaiterais que tous les danseurs se permettent de faire briller leur lumière intérieure autant que attainable, d’augmenter leur « lux » intérieur et d’éclairer ce qui est invisible et pourtant digne dans le monde. J’espère et j’attends avec impatience la croissance de la confiance et du expertise artistique de cette compagnie et des performances du Candlelight Ballet. J’ai hâte de voir, les yeux ouverts et scintillants, quelles belles créations honorant le passé, le présent et le futur ils donneront vie ensuite.
