« L’expérience d’automne » du Boston Ballet – Dance Informa Journal

Le coup d’envoi de l’après-midi a été celui de Jorma Elo Suites pour violoncelle de Bach (2015). C’est un travail J’ai déjà apprécié mais avec quelques modifications notables cette fois. L’atmosphère néo-néoclassique de l’œuvre est restée la même, avec des éléments de conception épurés et un centrage de la rencontre entre la musique et le mouvement. Les parcours cinétiques semblaient aussi résonnants que les longues notes du violoncelle, aussi doux mais aussi pleins et riches (avec Sergey Antonov au violoncelle).

L’œuvre s’est terminée avec des ballerines levées et tenant des formes en forme d’ailes, offrant le sentiment de s’envoler vers le futur et au-delà des limites de l’avant-scène. C’est une sensation agréable pour la fin d’un programme d’ouverture ; il y a beaucoup plus à venir. En effet, il y en aurait !

En deuxième place, Hans van Manen Trois Gnossiennes (1982), un duo émouvant dansé par Chisako Oga et Tigran Mkrtchyan. La partition (celle d’Erik Satie Gnossiennes nos 1 à 3) étaient également au cœur de ce travail ; avec le piano directement sur scène et à différents endroits au fur et à mesure que la pièce progressait, la musique elle-même était sans doute un personnage. La musicalité stellaire d’Oga et Mkrtchyan a lié la jonction de la musique et du mouvement dans cette œuvre dans un petit arc soigné.

Beaucoup d’autres points du travail n’étaient pas aussi résolus et assurés. Les partenaires ont d’abord dansé séparément – ​​une distance physique qui a fait floor une distance émotionnelle. Lorsqu’ils l’ont comblé plus tard dans le travail, ils se sont doucement fondus dans le poids de l’autre. En tant que partenaires, ils étaient à la fois solides et doux : aussi stables que la pierre, mais aussi malléables que l’argile. Qu’est-ce qui avait été perdu alors qu’ils restaient séparés dans l’espace ?

Des phrases répétées m’ont fait penser à des cycles de comportement et d’interplay ; avaient-ils déjà vécu ça ? Pour terminer le travail, ils sont partis ensemble. Avaient-ils trouvé ce dont ils avaient besoin pour briser ce cycle et rester connectés ? Ce qui est amusant, c’est peut-être de ne pas en être sûr.

La première mondiale de l’artiste du Boston Ballet My’Kal Stromile’s Forme et geste suivi. Audacieuse, fraîche et hautement mémorable, cette œuvre m’a donné envie de voir quelles visions chorégraphiques singulières Stromile donnera vie ensuite. Il me semble que s’il le veut, il lui réserve une carrière chorégraphique dynamique.

L’œuvre s’est ouverte avec des danseurs en silhouette, se déplaçant à travers des formes classiques de base – un type très Esthétique forsythienne. Cette première partie de l’œuvre, la première d’une série de quatre, rappelle un cours de approach : le rituel quotidien d’un danseur. Des mouvements angulaires et répétés donnent l’impression de travailler pour affiner l’artwork, pimentant la custom d’une voix plus personnelle.

La deuxième part – « Exposition : progressions d’accords », nous dit la voix off – pulsait avec plus de couleurs, un tempo plus rapide et une sensibilité plus moderne. Ces exercices en classe commençaient à se modeler et à se transformer en quelque selected qui leur était propre, quelque selected de nouveau pour orner une scène. Ici, avec une esthétique épurée et une musique et un mouvement (encore) étroitement liés, ce quelque selected de nouveau semblait assez néoclassique.

La troisième part – « Pièce C : augmentation de l’appareil », selon la voix off – m’a donné l’impression que le processus créatif en cours avait avancé très, très loin sur cette voie vers l’éclosion de quelque selected qui lui est propre. Avec des tutus de crêpes argentés et de la fumée s’élevant à travers un éclairage rouge (conception des costumes par Ezra Lovesky et conception des lumières par Brandon Stirling Baker), j’avais l’impression que nous aurions pu être téléportés dans un univers de science-fiction. La forme était devenue geste : une forme et un parcours cinétique entièrement imprégnés d’intention et d’atmosphère, une imaginative and prescient pleinement réalisée.

Mais ce n’était pas la fin ; « L’exposition D » présentait « des croquis, des graphiques et des paraboles » de l’œuvre dans une œuvre qui évoluait avant nous – si l’on s’en tenait à cette métaphore (nullement obligée de trouver quelque selected de plaisant dans l’œuvre). L’atmosphère était totalement différente de celle de la part précédente, moins saisissante dans sa pure audace esthétique. Pourtant, il y avait aussi un facteur « ça » qui lui était propre. Le mouvement semblait encore plus musical que les sections précédentes, devenant plus énergique et athlétique à mesure que la partition s’accélérait.

J’ai pensé que ces deux dernières sections étaient le résultat d’un cheminement ou d’un autre à la croisée des chemins du processus créatif. La imaginative and prescient de Stromile pourrait être complètement différente. Les membres du public de chaque côté de moi auraient pu interpréter quelque selected de complètement différent. Cela peut effectivement être la partie amusante.

En parlant de mystère, d’intention et de cohésion convaincants, la première mondiale de Akram Khanc’est Route verticale (réinventée) fermé le programme. L’œuvre a mis du temps à s’intensifier : le mouvement d’un soliste se construisait progressivement tandis que le bruit du vent du désert se construisait lentement. Une ouverture réfléchie et progressive semblait tout à fait appropriée pour une œuvre qui atteindrait une telle grandeur.

Cependant, l’intensité virtuose a rempli la scène avant trop longtemps. Une part d’ensemble représentait des hommes maoris présentant un haka : des guerriers en mouvement, unis et résolus. Le mouvement s’est adouci plus tard – mais, quelle que soit l’intensité, le vocabulaire de Khan était sinueux et continu. La power n’annulait pas la réceptivité et la souplesse.

Si un récit bourdonnait à travers l’œuvre, il restait enveloppé de mystère. Quoi qu’il en soit, quoi que cela ait été pour Khan, l’ensemble a dansé avec une présence imposante et un engagement pur – et cela m’a retenu. Je n’avais pas besoin de certitude pour être envoûté.

je suis devenu vraiment envoûté vers la fin du travail. Ces sections ultérieures constituaient une exposition A du sens du design et de l’artwork de la danse, réalisant ensemble une imaginative and prescient tout à fait singulière. Un danseur solitaire (Jeffrey Cirio) se tenait devant un voile, derrière lui la lumière immaculée d’un corps céleste magique. L’éclat de lumière surnaturel derrière le voile (conception d’éclairage originale de Jesper Kongshaug, réadapté par Richard Fagan) a renforcé le sentiment de quelque selected de surnaturel à l’œuvre.

Cirio semblait réticent à toucher le voile, mais indéniablement attiré par lui. Bientôt, un autre danseur s’y installa et Cirio le regarda avec étonnement. Était-ce un easy mortel devant le divin ? Le récit est resté mystérieux, mais les nuances spirituelles étaient claires et fortes. D’autres sections d’ensemble ont progressé; la vie proceed, à travers et autour de nos questions de vie, de mort, de divin et de profane.

Lorsque Cirio se retrouva seul devant le voile, il le toucha enfin. Il est tombé, ondulant vers la scène, et la salle est devenue sombre. Mon esprit bouillonnait d’un million de questions, d’idées et de résonances d’héritages intellectuels (de la croyance yoguique de l’être divin en nous jusqu’au « Dieu est mort » de Nietzsche).

Sans aucun doute, ce bavardage psychological serait différent pour chaque membre du public. Ce qui comptait, c’était quelque selected qui résonnait sur la scène, succesful d’amener chaque membre du public à ressentir ou à penser. quelque selected (ou, mieux encore, certains des choses). Quelle que soit l’approche ou le « type » – depuis les explorations néoclassiques modernisées d’Elo jusqu’à la peinture du mouvement impressionniste de Khan – c’est cet affect qui compte.

C’est une philosophie post-postmoderne que le Boston Ballet semble pleinement adhérer. Il en résulte une multiplicité artistique. Si Expérience d’automne Tout indique que ce style de multiplicité imprégnera la saison 2023-2024 du Boston Ballet. J’ai hâte de vivre tout cela.

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.