« Inspiré par Weinberg » de Rachel Linsky

Inspiré par Weinberg a présenté les derniers versements en ZACHOR de la chorégraphe Rachel Linsky, basée à Boston – pour moi, certainement ce style d’œuvres. ZACHOR est une série préservant et honorant la mémoire des survivants de l’Holocauste de la Seconde Guerre mondiale à travers la danse. Ces œuvres les plus récentes de la série, Z’L et Flamme oubliée, met en lumière la vie et l’œuvre du compositeur Mieczyslaw Weinberg. Linsky a créé ces œuvres avec le soutien de la Jewish Arts Collaborative et de la Mixed Jewish Philanthropies Group Inventive Fellowship, ainsi que de la Fondation Beker.

Pourtant, l’expérience totale de Inspiré par Weinberg, de l’entrée à la synagogue de Vilna jusqu’à la sortie, était bien plus que la présentation de ces deux œuvres. C’était une éducation en soi : sur la Shul en tant qu’espace de communauté et de foi partagée, sur l’histoire qui a échafaudé ces deux œuvres, et une likelihood pour nous, spectateurs, d’essayer une partie du mouvement dans notre propre corps.

La première partie du Inspiré par Weinberg L’expérience nous a amenés à entendre Elyse Winick, directrice des arts et de la tradition à la Vilna Shul, pour en savoir plus sur l’espace. Nous avons appris que des membres de la communauté, des immigrants de confession juive, ont collecté ensemble des fonds pour construire cet espace pour eux-mêmes : un lieu pour se rassembler, prier, apprendre et bien plus encore.

Cette communauté n’était pas isolée des autres communautés de la région, a affirmé Winick – par exemple, les bancs provenaient d’une ancienne congrégation baptiste voisine. En 1985, lorsqu’il n’y avait plus de communauté pour soutenir la Shul, celle-ci ferma ses portes. Pourtant, grâce aux efforts des dirigeants locaux, une vingtaine d’années plus tard, l’espace a été restauré et a commencé une nouvelle vie en tant que centre culturel juif. C’étaient toutes des couches d’histoire et de liens humains que nous étions ensemble en practice d’éplucher, apprenant ce faisant.

Les discussions sur des éléments de l’espace, comme les vitraux et la corne de bélier, m’ont appris encore plus sur la foi et la tradition qui sont à la base de ce lieu. On pourrait se demander pourquoi tout cela était vital lorsqu’il s’agissait des œuvres d’artwork de la danse que nous allions expérimenter – c’est une bonne query. Pourtant, cet apprentissage a absolument approfondi et élargi mon expérience de ces œuvres. Je les ai considérés comme des œuvres d’artwork non isolées, mais enchevêtrées dans des couches d’histoire vivante.

Puis vint Z’L – un movie de danse tourné sur les bancs mêmes où nous venons de nous asseoir. Linsky, présentant l’œuvre, a expliqué que le titre est un titre honorifique hébreu qui vient après les noms de ceux qui sont décédés. Au pluriel, cela se traduit par « que leur mémoire soit une bénédiction » : offrant le sentiment de multiplication, d’héritage qui s’étend bien au-delà de la vie d’une seule personne. Au cours du processus de création de l’œuvre, Linsky s’est demandé pourquoi tant de personnes disparues dans l’Holocauste sont restées anonymes – et ne verront donc peut-être jamais leur nom écrit avec ce titre honorifique. Pourtant, nous pouvons souhaiter les bénédictions de leur mémoire.

La partition de l’œuvre est celle de Weinberg de 1949. Rhapsodie moldave (enregistré par Adam Millstein, violon et Dominic Cheli, piano). C’est l’une de ses nombreuses œuvres qui pourraient très bien être beaucoup plus connues et respectées sans l’antisémitisme qui bourdonnait à son époque. La musique de Weinberg avait des thèmes Klezmer clairs, donc riches de sa foi et de sa tradition juives. Le silence et le ciblage qui ont émergé de cette bigoterie ne l’ont pas empêché de créer un tel travail. C’est une autre façon dont l’œuvre crée un sentiment de memento et d’honneur de ce qui a été oublié et réduit au silence.

Le movie s’ouvre avec une femme plus âgée (Skye Robinson) se déplaçant seule dans l’espace. Elle s’assoit sur un banc et se frotte les mains, presque avec un sentiment de férocité et d’anxiété. L’espace est sombre, baigné d’une lumière grise du crépuscule (par le directeur de la photographie Ernesto Galan). Le movie traverse bientôt l’espace dans une lumière beaucoup plus vive, remplie de tout un ensemble de danseurs.

Ils se déplacent ensemble à travers et autour des bancs, incarnant les qualités que Linsky avait également décrites dans son introduction à l’œuvre : couple, opposition, angulaire et asymétrie. Ces qualités caractérisent les danses folkloriques yiddish, avait expliqué Linsky. Danse à deux, opposition et couple permettent aux membres de l’ensemble de contrebalancer élégamment le poids de chacun.

A noter également le modelage gestuel des mains, établissant une continuité avec la femme plus âgée. L’accent mis sur les mains m’a aussi fait penser à l’héritage, au travail de chacun dans le monde, auquel le titre fait référence. Leurs gestes créent un sentiment de jeu, voire de bonheur, mais aussi de profonde tristesse : des émotions aux antipodes d’un spectre qui se rejoignent néanmoins dans « l’ambiance juive » décrite par Linsky.

Le regard est également vital et puissant dans le movie. Dans un second mémorable, les danseurs descendent sur un banc – à l’exception d’un qui reste debout, regardant la lucarne juste au-dessus d’elle, recevant la grâce et les bénédictions d’en haut. Se croisant les yeux, ils se connectent. À d’autres moments, leur regard reste plus intérieur – leur expérience émouvante plus solitaire.

Ce qui m’a également frappé, c’est la façon dont le personnage de Robinson est apparu avec un profond sentiment de connexion avec le passé, et le jeune ensemble de danseurs avec le sentiment d’avancer vers le futur. Le movie fait des allers-retours entre eux, tissant ainsi le passé, le présent et le futur. Une part joyeuse et vibrante de l’ensemble dansant ensemble en cercle renforce ce sentiment de continuité et de circularité. Pour terminer, Robinson s’associe à l’ensemble. Le passé vit et respire dans le présent, et perdurera dans le futur – à travers nous, à travers la façon dont nous travaillons dans le monde et avançons ensemble.

Dans mon propre présent, à l’époque, je ne savais pas que les membres de l’ensemble étaient dans l’espace avec moi, même quelques-uns étaient assis devant et à côté de moi. Linsky les a appelés à se lever pour que nous puissions applaudir leur expertise artistique. Une réflexion secondaire m’a amené à me demander ce que cela pourrait être de voir l’œuvre dansée dans l’espace sous nos yeux, et à me demander pourquoi Linsky a plutôt choisi d’en faire un movie.

Peut-être que c’est quelque selected que nous pourrons apprécier une autre fois, peut-être pas. J’espère que Linsky avait de bonnes raisons pour les choix qu’elle a faits, tout comme j’ai cette confiance en tous les artistes. C’était, encore une fois, une pensée secondaire, et la voiture principale était l’étonnement et l’appréciation pour le travail riche et résonnant que je venais de vivre.

Puis nous avons vu Flamme oubliée, chorégraphié et interprété par les individuals au ZACHOR Teen Intensive de Linsky. Linsky a également présenté cette œuvre, expliquant remark la partition de Weinberg que ces artistes adolescents ont choisi de réaliser en mouvement était le Mouvement II de son œuvre. Concertino pour violoncelle. Cette composition a vécu dans un tiroir pendant des décennies, pour ne jamais être entendue de son vivant, pour refaire floor des décennies plus tard dans les archives du musicologue russe Manashir Yakubov.

Ainsi, pendant ces décennies, l’œuvre n’a vécu que dans la mémoire de Weinberg – uniquement dans le feu de son propre processus créatif. De courts solos dans l’œuvre illustrent ce sentiment de solitude. Même dans les sections de groupe, l’ensemble se déplace en lignes voyageant dans des instructions opposées, les danseurs ne se croisant pas non plus: des connexions manquées, une expérience passée qui aurait pu se produire.

Un autre side d’une narration élégamment subtile est le début et la fin d’un danseur rangeant une partition dans un tiroir. J’ai ressenti ici un sentiment de perte, de la beauté de cette musique jouée à haute voix qui aurait pu l’être. La chorégraphie fait également appel aux qualités par excellence de la danse folklorique yiddish : couple, opposition, asymétrie, angulaire.

Ces jeunes artistes traversent tout cela avec une conscience cinétique et une intégration assez impressionnantes pour leurs jeunes années. Il est louable qu’ils chevauchent l’émotion profonde de la partition avec un sentiment d’immersion, mais pas le mélodrame avec lequel les artistes de leur âge créent et jouent souvent (je sais que je l’ai fait !).

Après le travail, Linsky les a non seulement fait se lever pour que nous puissions applaudir leur travail, mais ils ont également eu l’event de partager un peu leur expérience de réalisation de l’œuvre et ce que cela signifiait pour eux. Cela m’a fait chaud au cœur de voir cet espace pour les jeunes, pour la prochaine génération, avoir une voix concertée.

Puis vint une opportunité pour tout le monde danser. Nous nous sommes réunis dans une salle communautaire pour bouger ensemble, Linsky nous guidant dans quelques pas de base de danse folklorique yiddish. Nous avons dansé sur un groupe Klezmer stay. Il s’agissait d’une couche cinétique de l’apprentissage et de l’expérience esthétique de cette journée – nous abordions l’histoire et la tradition dans notre propre corps. Nous avons ri de nos fake pas (littéralement) et applaudi nos réalisations en danse. Il y avait de la salade de fruits, des biscuits noirs et blancs, du rugelach et des boissons gazeuses à partager après avoir dansé ; au risque du cliché, c’est du travail qui donne faim et soif !

Je suis sorti de la Shul, toujours en practice de réfléchir et de réfléchir à toutes ces couches : l’espace, le mouvement, la musique, l’histoire, la foi, la tradition, la communauté et bien plus encore. De telles couches peuvent s’appuyer sur une base de recherche dédiée, une collaboration curieuse et le temps nécessaire pour permettre aux œuvres de devenir ce qu’elles seront – ce sur quoi des artistes comme Linsky sont intentionnels. J’ai hâte de voir quelles autres couches nous pourrons étudier dans les prochains épisodes de ZACHOR. Un tel apprentissage et une telle découverte ne sont rien de moins qu’un cadeau.

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.